O London Design Festival, celebra e promove Londres como a capital do design do mundo! O evento que acontece durante nove dias em todo mês de setembro, começou neste sábado (15) e vai até o dia 23 de setembro, apresentando uma série de exibições e instalações especiais em várias regiões da cidade.

Em 2003, Sir John Sorrell e Ben Evans, sentiram a necessidade de criar um evento anual que promovesse a criatividade da cidade, atraindo os maiores pensadores, profissionais, varejistas e educadores, tudo para celebrar o melhor dessa arte. Desde então, o conceito continua o mesmo, mas o evento só cresceu e ganhou notoriedade. No ano passado, o festival bateu seu recorde: recebeu 450 mil visitantes de mais de 75 países. Agora, em seu 16º ano, os que tiverem a oportunidade de visitar os locais que contemplam as mostras – ou ao menos parte deles -, vão desfrutar do design e artesanato no seu melhor. Confira alguns destaques abaixo para que você possa criar sua visita ideal ao London Design Festival 2018.

Es Devlin: Please Feed the Lions

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Começando a semana com as pinturas da artista visual norte-americana Melissa S. McCraken!

 (Foto: Reprodução/ Instagram)

Melissa tem sinestesia, uma condição neurológica que faz com que ela veja cores, texturas e movimentos, ao ouvir músicas. A partir dessa percepção diferente do mundo, ela decidiu representar o seu ponto de vista das músicas nas telas que pinta. 

  (Foto: Reprodução/ Instagram)

  (Foto: Reprodução/ Instagram)

“Ao incorporar elementos da sinestesia, eu crio uma visualização da música. Minha esperança é transcender interpretações tradicionais de experiências e reimaginar aquilo que é familiar”, Melissa explica em seu site. Ela completa dizendo que tem intenção de fazer o produto final como o resultado de uma consciência coletiva.

Via: Casa e Jardim

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O artista plástico Manoel Santos, que é servidor da Comurg, representa Goiânia na 14ª Bienal Naïfs do Brasil, evento que acontece até 25 de novembro no Sesc Piracicaba, estado de São Paulo. 

Com o tema “Daquilo que escapa”, a exposição divulga a representatividade da criação primitiva, ingênua, espontânea e popular de artistas autodidatas. 

O gari Manoel é artista plástico primitivista-autodidata com várias premiações no gênero e é bastante conhecido no meio artístico com obras espalhadas pelo mundo todo. A comissão recebeu quase 1200 trabalhos, inscritos por 583 artistas. Dentre elas, a obra “Ajuda Nois Humanos” com técnica acrílica sobre tela nas dimensões 60×80 cm, do representante de Goiânia.  

A exposição composta de bordados, desenhos, esculturas, gravuras, pinturas e vídeos elaborados por 107 artistas selecionados e 14 convidados, tem objetivo de destacar peças que simbolizam não apenas as relações do homem com a fauna e flora, além do sagrado e religioso, mas também a visão crítica, engajamento e resistência dos autores deste tipo de produção. A curadoria é de Armando Queiroz, Juliana Okuda e Ricardo Resende.

A expressão “naïf” é francesa, que significa ingênuo ou primitivo, faz referência a um importante seguimento artístico formado por pessoas sem formação acadêmica. Esses artistas desenvolvem técnicas próprias sem regras estabelecidas e podem até improvisar materiais reciclados em suas telas. 

4ª Bienal Naïfs do Brasil – Daquilo que escapa

Visitação de 18 de agosto a 25 de novembro

Terça a sexta-feira: 13h30 às 21h45. Sábados, domingos e feriados: 9h30 às 18h

Local: Sesc Piracicaba – Rua Ipiranga 155, Centro – Piracicaba, SP

Entrada: Gratuito

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Que tal curtir um cinema nesse final de semana? Para te inspirar, uma imagem de um cinema em Berlim que transpira arte. 

O Delphi Lux é uma espécie de galeria de salas de cinema-arte, não só de filmes de arte, mas arte dos ambientes, decoração e iluminação. As salas são pequenas, intimistas, minimalistas e elegantemente decoradas com um olhar voltado para os efeitos. Cada sala possui sua própria cor, que imprime um conceito de design, tornando-as excepcionalmente únicas, como obras de arte em exposição, mas separadas dentro de uma mesma galeria.

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Depois da descoberta de água em Marte, a NASA já está desenvolvendo projetos para habitar o planeta vermelho. Por meio de um concurso, lançado em 2014, a NASA selecionou e premiou os 5 times com as melhores ideias para a fabricação de moradias que possam ser criadas em impressoras 3D. Confira:

 (FOTO: DIVULGAÇÃO/NASA)

As equipes usaram um software de Building Information Modeling, que garante que os designs sejam estruturas funcionais, criadas com muitos detalhes. Dentre os pré-requisitos exigidos pela NASA estavam ter pelo menos 92 metros quadrados, o suficiente para abrigar quatro pessoas, levando em conta a espessura das paredes, a pressão do planeta, como o ar seria filtrado, como o planeta aquece e tudo mais. Os pesquisadores também precisaram construir sistemas autônomos para sua construção, pois assim, elas já estariam prontas quando os exploradores chegassem em solo marciano, segundo o site Tecmundo.

 (FOTO: DIVULGAÇÃO/NASA)

 (FOTO: DIVULGAÇÃO/NASA)

Apesar do sonho parecer distante, o próximo passo já é construir, no ano que vem, impressoras 3D que seriam capazes de reproduzir miniaturas das estruturas, para ver como elas funcionariam fora do papel. Com isso, os cinco finalistas disputarão a fase final da competição e será distribuido um prêmio de US$ 2 milhões. 

 (FOTO: DIVULGAÇÃO/NASA)

 (FOTO: DIVULGAÇÃO/NASA)

Que vença o melhor!

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Yong Kim é um artista sul-coreano, especializado em cerâmica, que transforma donuts em arte!

Os donuts são de várias formas e tamanhos, pintados à mão e inspirados em ícones da cultura pop: nas bolinhas de Yayoi Kusama, nas obras de Andy Warhol e até no Mickey! 

Confira, nas imagens abaixo, mais do trabalho Jae Yong:  

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Enquanto a Copa do Mundo acontece na Rússia, por aqui a arte russa é recriada por brasileiros em exposição no Sesc!

“Vkhutemas – O futuro da Construção 1918-2018”, apresenta projetos de arquitetura, maquetes, bandeiras de estamparias, roupas e mobiliários de artistas nacionais que se inspiraram na escola soviética criada na Rússia no começo do século passado. A escola surgiu em 1920 e se distanciava do movimento conhecido como “belas-artes”, funcionando como um espaço de experimentação, alinhada à vanguarda do pensamento estético, principalmente às correntes futuristas, suprematistas e construtivistas. Utilizando a arte como um instrumento educativo e de transformação social, os objetivos centrais da Vkhutemas eram democratizar o ensino, combater o analfabetismo e promover a emancipação feminina. A escola revolucionou a arquitetura da época, formando, em 1920, trinta mulheres na área – entre elas Liubov Zaliésskaia e Lidia Komárova. Ou seja, o ensino focava em artes, arquitetura e até moda… por isso, há que diga que ela foi a Bauhaus de Moscou! Muitas das propostas estavam alinhadas com o construtivismo.

A escola soviética de artes Vkhutemas foi fechada em 1930 pelo regime stalinista. Dessa forma, uma das mais importantes revoluções artísticas do modernismo foi apagada. Pensando em mostrar a influência dessa escola e dos artistas que passaram por ela, o Sesc Pompeia realiza a exposição, com curadoria de Celso Lima e Neide Jallageas. A mostra estreiou dia 26 de junho e recria cerca de 300 projetos de 75 artistas, designers e arquitetos da Vkhutemas,  ficando exposta até dia 30 de setembro.

Entre os projetos recriados para “Vkhutemas: O futuro em construção (1918 – 2018)”, estão obras de artistas como Ródtchenko, Tátlin, Kandinsky, Maliévitch, El Lissítzki, Zaliésskaia e Komaróva. "Oferecemos ao público uma seleção sintética da produção de grandes mestres, com destaque para as estruturas físicas e tridimensionais de gesso Arkhitekton, criadas por Kazimír Maliévitch, o projeto A Cidade Flutuante, do arquiteto Gueórgui Krútikov, as peças de roupas desenvolvidas por Liubov Popova e Várvara Stepánova", cita a pesquisadora de cultura russa e curadora da exposição, Neide Jallageas. 

"A exposição se afasta de uma proposta museológica, ou seja, da apresentação de obras originais. Nossa intenção era realizar um resgate histórico da Vkhutemas, com a reconstrução material dos acervos, e promover uma discussão ampla sobre as pedagogias e os processos da escola, que revolucionaram as artes e o design modernos e até hoje reverberam nas mesas de criação por todo o mundo", explica Celso Lima, pesquisador da história do design e curador da mostra.

Serviço

“Vkhutemas – O futuro da Construção 1918-2018”
De 3/07 a 30/09
Sesc Pompéia: r. Clelia, 93, Pompeia, SP
Entrada gratuita

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Primeiro museu de arte digital e interativa abriu na última semana em Odaiba, distrito de Tokyo, com 50 instalações que incentivam o público a tocar, interromper, seguir ou acionar dispositivos.

São 520 computadores e 470 projetores reunidos em uma área de 10.000 m² dividida em cinco seções: o “Mundo Sem Fronteiras” é um reino interativo de paisagens geradas por computador com cachoeiras, florestas e pássaros; a “Floresta de Atletismo” é uma zona de simulações destinadas a fazer com que os visitantes se movimentem, levando-os a pular em um trampolim virtual ou escalar um poste virtual; “Parque do Futuro” é uma sala com um aquário cheio de peixes digitais; “Floresta de lâmpada” é uma área repleta de lâmpadas coloridas; e, na “Casa de Chá” você poderá tomar chás virtuais. “Nenhum desses trabalhos é reproduzido em loop. Todos eles são movimentos originais e orgânicos que dependem da participação do público - a arte muda constantemente através da 'aprendizagem inteligente'”, explica Toshiyuki Inoko, um dos fundadores do grupo.  O que gera a cada visitante uma experiência totalmente diferente. Não existem visitas repetidas.

O MORI Building DIGITAL ART MUSEUM: EPSON teamLab Borderless, foi criado pelo coletivo japonês teamLab em uma parceria com o Mori Museum. 

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A instalação The London Mastaba, idealizada por Christo, é a novidade do verão londrino. 

 (Divulgação/Christo)

Exibindo tons de vermelho, rosa, branco e azul, a estrutura é composta por 7,5 mil cilindros e fica no Serpentine Lake. Os cilindros foram fabricados especialmente para a instalação e, em uma plataforma flutuante, formam um trapézio de 20 metros de altura.

 (Divulgação/Christo)

A estrutura temporária, que fica exposta no parque até 23 de setembro, é o primeiro grande trabalho público ao ar livre assinado pelo artista no Reino Unido e comemora a abertura de uma exposição sobre o trabalho de Christo e Jeanne-Claude, no Serpentine Galleries, que acontece de 19 de junho até 9 de setembro.

 (Divulgação/Christo)

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A dica de follw desse sábado é o perfil de Lee Sol, o artista visual sul-coreano, conhecido como venusmansion no Instagram.

Depois de concluir seu bacharelado em Design de Interiores na Universidade Hansung, Lee Sol tem expressado seu próprio mundo de cenas visuais. Em 2014, ele iniciou seu projeto de arte chamado “Venus Mansion”, no qual ele estabelece cenas surreais com uma mistura de elementos arquitetônicos, antiguidades, arte renascentista e motivos da cultura moderna, como a pop art. As cenas de Lee são criadas através de renderização 3D, muitas vezes usando cores vibrantes, como rosa chiclete e azul turquesa. As cores vivas tornam as cenas distintamente chamativas e se destacam efetivamente, especialmente no Instagram. 

Os trabalhos de Lee são carregados de cores, estátuas e cenários fofos, além de um toque de humor adicionado a cada cena. Uma ótima inspiração, não é mesmo?

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